Come creare tensione nella tua storia?

Creare tensione in una storia può essere complicato. Hai mai ricevuto feedback che una scena è noiosa o dovrebbe essere tagliata, ma sai che è cruciale per lo sviluppo della trama generale? Cosa fai a questo punto? Probabilmente hai bisogno di un po' di aiuto per riuscire a creare tensione, portando la scena da buona a fantastica. In questo articolo, diamo un'occhiata a otto modi per aumentare la tensione nella tua storia. 

Perché è importante creare tensione narrativa?

Più di ogni altra cosa, la tensione, il conflitto sono il centro di ogni storia avvincente.

Per natura, gli esseri umani sono creature curiose, ed è la tensione narrativa che lo scrittore tesse attraverso le storie che invoglierà i lettori a sfogliare le pagine.

La tensione nella scrittura produce paura, preoccupazione o ansia nel personaggio o nel lettore. Mantiene il lettore o lo spettatore con il fiato sospeso, desideroso di sapere cosa succederà dopo. Genera un vero e proprio investimento emotivo nei tuoi personaggi. 

Qualunque sia il genere di storia che stai scrivendo, la tensione è fondamentale. E non è solo la tensione nella storia nel suo insieme a essere importante, ma anche quella che si crea in ogni scena. Dopotutto, cos'è una storia senza un piccolo conflitto, giusto?

Ecco, quindi, otto suggerimenti per aiutarti a creare tensione nelle tue scene. Dalla creazione di POV (Point of View) profondi alla modifica dell'ambientazione, queste tecniche ti aiuteranno a mantenere i tuoi lettori o spettatori coinvolti nella storia, ma soprattutto coinvolti emotivamente.

Scegliamo il conflitto nella scena

Ok, prima di entrare nel nocciolo dell'amplificazione della tensione in una scena, assicuriamoci che la scena stessa sia effettivamente necessaria. 

Chiediti: questa scena fa progredire la storia? Rivela qualcosa di nuovo sui personaggi o sulle loro motivazioni? Alza la posta in gioco in modo significativo? Se la risposta a una qualsiasi di queste domande è "no", allora è il momento di riconsiderare se quella scena appartiene alla tua storia.

Supponendo che la scena, in effetti, debba essere lì, parliamo dell'ossatura della scena. Il conflitto è fondamentale qui: senza, non hai nulla. Questo non significa necessariamente che i tuoi personaggi debbano essere l'uno attaccato alla gola dell'altro, ma deve esserci comunque una sorta di tensione tra loro.

Forse stanno cercando di nascondersi qualcosa l'un l'altro o hanno obiettivi contrastanti che stanno cercando di raggiungere. Qualunque sia il caso, assicurati che ci sia qualcosa in gioco, qualcosa che i tuoi personaggi rischiano di perdere se falliscono. Il conflitto nel personaggio può essere esterno: conflitto con un altro personaggio o forza esterna, persino un orologio che ticchetta.

Oppure può essere un conflitto interiore, un personaggio in guerra con se stesso. La tensione interiore può essere un momento più tranquillo in una scena in cui un personaggio combatte con desideri contrastanti o può essere qualcosa di opprimente come una ferita emotiva che ha portato a convinzioni o preoccupazioni che gli impediscono di agire per raggiungere il proprio obiettivo. 

Se sei in difficoltà nel trovare un conflitto, prova a chiederti cosa vogliono i tuoi personaggi e cosa li ostacola. Qual è l'obiettivo esterno nella scena e come puoi interromperlo? È incredibile quanta tensione riesci a creare anche in una scena ordinaria semplicemente mettendo degli ostacoli sul percorso dei tuoi personaggi.

Quindi, prima di iniziare a preoccuparti del linguaggio del corpo, del sovraccarico sensoriale e di tutte quelle cose divertenti, fai un passo indietro e assicurati che la tua scena abbia una solida base su cui costruire. Una volta ottenuto questo, è il momento di iniziare ad aumentare la tensione.

Inserisci un POV profondo

Va bene, parliamo di come entrare nella testa dei tuoi personaggi. No, non intendo letteralmente - sarebbe strano, anche per me. Ma seriamente, è importante entrare nella testa dei tuoi personaggi e capire cosa stanno realmente pensando e provando. Perché ammettiamolo, nessuno dice mai quello che sta realmente pensando. Non è così che funzionano gli umani.

Quindi, come si entra nel punto di vista profondo (noto anche come POV)? Bene, ricordi quegli ostacoli di cui abbiamo appena parlato? È qui che entrano in gioco. La posta in gioco è ciò che un personaggio può guadagnare o perdere in qualunque scena. La posta in gioco più efficace, è quella emotiva perché il personaggio vuole ottenere un certo risultato e questo crea un senso di tensione.

Quindi parte di ciò che devi scoprire è perché la posta in gioco crea una reazione emotiva nel tuo personaggio. Il POV profondo passa dal narrare la reazione del personaggio al mostrare il pensiero del personaggio e perché la posta in gioco è così importante.

Inizia a pensare a come i tuoi personaggi reagirebbero alla situazione. Quali emozioni stanno provando? Sono ansiosi, arrabbiati, spaventati, eccitati? Come si manifestano fisicamente queste emozioni? Stringono la mascella? Toccano il loro piede? Si mangiano le unghie?

E ricorda, non tutto ciò che il tuo personaggio prova sarà espresso ad alta voce. Forse si sentono in colpa, ma non vogliono ammetterlo agli altri personaggi. O forse nascondono un segreto che li sta divorando. Qualunque sia il caso, assicurati di trasmettere quelle lotte interne al lettore.

Non aver paura di diventare un po' introspettivo con i tuoi personaggi. Scopri cosa sta realmente accadendo nelle loro teste e usalo per aumentare la tensione nella tua scena.

Diventa fisico

Ah, il linguaggio del corpo. Il linguaggio non parlato della razza umana. È incredibile quanta tensione puoi creare solo dal modo in cui i tuoi personaggi si comportano o dal modo in cui si muovono.

Diciamo che stai scrivendo una scena in cui il tuo personaggio principale sta per affrontare la sua nemesi. Potresti semplicemente farli stare lì, a fissarsi l'un l'altro, e sperare che il dialogo porti tensione. Ma questo non basta, amico mio. Devi mostrarla questa tensione.

Anche usare il linguaggio del corpo per trasmettere tensione può far parte di un punto di vista profondo, ma non è limitato al personaggio principale in quel momento. Anche il linguaggio fisico degli altri personaggi nella scena può essere utilizzato per creare tensione.

Magari, un altro personaggio inizia a battere il piede o a camminare mentre il tuo personaggio parla, indicando così la sua impazienza verso di lui. O forse si bloccano, completamente paralizzati dalla paura o dalla rabbia. Qualunque cosa sia, assicurati che sia qualcosa che farà battere forte il cuore del lettore.

Un altro ottimo modo per mostrare la tensione è attraverso il contatto visivo. Hai presente quella sensazione quando sei in una gara di sguardi e non riesci proprio a distogliere lo sguardo? Questo è il tipo di tensione di cui stiamo parlando. Forse i tuoi personaggi bloccano gli occhi e si rifiutano di rompere lo sguardo, anche quando le cose iniziano a creargli disagio. O forse stanno evitando del tutto il contatto visivo, il che potrebbe essere un segno che qualcosa non va bene.

E non dimentichiamoci di altri segnali non verbali, come sudare, agitarsi o persino arrossire. Tutte queste cose possono essere segni di tensione e sono ottimi modi per mostrare il tumulto interiore dei tuoi personaggi senza doverlo spiegare al lettore.

Mostraci la tensione attraverso il loro linguaggio del corpo e altri segnali non verbali, e avrai i tuoi lettori con il fiato sospeso, chiedendosi come il personaggio affronterà la fonte della tensione.

Usa i sensi

È tempo di pensare ai sensi. No, non come il senso della moda o il senso dell'umorismo. Intendo, proprio i cinque sensi: vista, udito, olfatto, gusto e tatto. Come possiamo usare il linguaggio sensoriale per rendere una scena più tesa?

Per prima cosa, prova a sovraccaricare i sensi dei personaggi. Immagina che il tuo personaggio si trovi in ​​un mercato di strada molto affollato. C'è gente dappertutto, che urla e mercanteggia sui prezzi, l'odore delle spezie è così forte che sembra che sia rimasto incastrato nei peli del suo naso.

Getta alcuni ciottoli irregolari sotto i piedi e forse alcuni animali randagi, e il tuo personaggio si sente piuttosto sopraffatto. Sovraccaricando i sensi, puoi far sentire il lettore teso e nervoso quanto il personaggio.

D'altra parte, anche la deprivazione sensoriale può essere uno strumento utile. Immagina un personaggio intrappolato in una piccola stanza buia. Non può vedere nulla, sentire nulla o persino sentire al tatto null'altro che le pareti fresche e lisce. La completa mancanza di input sensoriali può essere tesa quanto un sovraccarico di stimoli.

Scegli i dettagli sensoriali che contano per il tipo di tensione o conflitto che il tuo personaggio sta affrontando e usa i sensi a tuo vantaggio nelle scene in cui fanno la differenza.

Fai solo attenzione a non sovraccaricare il tuo lettore con troppi dettagli sensoriali, altrimenti anche loro potrebbero iniziare a sentirsi sopraffatti!

Non dimenticare il dialogo

Mah, dialogo. Quella bellissima sinfonia di parole, grondante di sottotesto e significati nascosti. Un ottimo modo per aumentare la tensione in una scena.

Una tecnica di dialogo per creare tensione è il linguaggio velato. Sai, quando i personaggi dicono una cosa ma ne intendono un'altra. È come una partita a scacchi verbali, in cui il vincitore se ne va con la propria dignità (e, si spera, la propria vita) intatta.

Diciamo che hai una scena in cui due vecchi amici stanno conversando. Sembra abbastanza innocuo, vero? Ma cosa succede se uno di loro è segretamente una spia e l'altro fornisce inconsapevolmente informazioni riservate?

All'improvviso, ogni commento apparentemente innocente assume un significato completamente nuovo. "Come va il tuo lavoro in questi giorni?" è solo una domanda amichevole o un modo sottile per chiedere se lavora ancora per il governo?

La tensione sale ad ogni frase del dialogo. Tuttavia, non è l'obiettivo principale, il dialogo dovrebbe servire a uno scopo. Il tuo personaggio potrebbe avere secondi fini per cercare informazioni, magari per vedere se qualcuno conosce uno dei suoi segreti o per smascherare una bugia. Qualunque sia il secondo fine, deve essere specifico per il tuo libro, la tua trama e quella scena particolare.

E poi c'è il classico malinteso. Conosci il detto prendere fischi per fiaschi? un personaggio dice qualcosa, l'altro personaggio lo interpreta nel peggior modo possibile e ne consegue il caos. È come una commedia degli equivoci, solo che invece di ridere ti vengono le palpitazioni.

Ricorda, il dialogo non è solo per esposizione e battute spiritose. Usalo per aumentare la tensione e guarda i tuoi lettori dimenarsi sui loro posti.

Modifica l'impostazione

Cambiare location: uno dei trucchi più antichi della narrativa per creare tensione. Perché, siamo onesti, la location può essere importante tanto quanto i personaggi di una scena. A volte, ancora di più.

Pensaci. Una cena romantica a lume di candela in un ristorante elegante? Abbastanza teso, ma per tutte le giuste ragioni. Una cena a lume di candela in una spettrale villa abbandonata? Abbastanza teso, ma per tutte le ragioni sbagliate.

La posizione può creare l'atmosfera e alzare la posta in gioco. Quindi, se stai cercando di aumentare la tensione in una scena, prova a cambiare l'ambientazione. Magari spostando la conversazione da un parco tranquillo e pacifico a un concerto rumoroso e affollato. Oppure portandola da un ufficio spazioso a un armadio angusto e disordinato. 

Diventa creativo. Forse i tuoi personaggi hanno una conversazione seria mentre sono appesi a un dirupo. O forse sono intrappolati in un ascensore con la loro più grande paura. Le possibilità sono infinite.

Ricorda solo che la posizione dovrebbe servire a uno scopo. Dovrebbe creare una scena tesa e aiutare a far avanzare la storia. Non gettare i tuoi personaggi in uno spazio casuale e scomodo senza motivo. A meno che, ovviamente, tu non sia Ryan Murphy e tu stia girando American Horror Story.

Quindi, vai avanti e cambia le cose. Sposta la conversazione in una nuova location e guarda come cambia la dinamica. E se hai bisogno di ispirazione, ricorda che anche Darth Vader e Luke Skywalker hanno avuto la loro epica resa dei conti in uno spazio angusto e claustrofobico.

Lancia una palla curva

Ascolta, a tutti noi piace un bel colpo di scena, giusto? Ma a volte i colpi di scena migliori sono quelli che non vedi arrivare. Quindi, quando stai cercando di amplificare la tensione in una scena, lancia al lettore una palla curva. Conducilo lungo un sentiero, e poi all'improvviso, BOOM! Portalo in una direzione completamente diversa.

Ad esempio, supponiamo che tu abbia allestito una scena in cui due personaggi stanno per avere un confronto teso. Il lettore si aspetta un'accesa discussione, forse anche uno scontro fisico. Ma invece, un personaggio improvvisamente scoppia in lacrime, rivelando così una vulnerabilità che il lettore non ha mai visto arrivare.

O forse i personaggi si trovano in una situazione ad alto rischio e il lettore si aspetta che il protagonista compia un eroico sacrificio. Ma invece, il protagonista decide di salvarsi e lasciarsi alle spalle tutti gli altri.

Questi tipi di palle curve possono essere davvero efficaci nel creare tensione emotiva perché sovvertono le aspettative del lettore. È come un piccolo gioco mentale: il lettore pensa di sapere cosa succederà, e poi gli togli il tappeto da sotto.

Ma ecco il punto: non puoi lanciare una palla curva solo per il gusto di lanciarla. Deve avere un senso per la storia e i personaggi. E non puoi fare troppo affidamento su di esso, o inizierà a sembrare un trucco da quattro soldi. Ma usato con parsimonia ed efficacia, un colpo di scena può essere uno strumento potente per aumentare la tensione nella scena.

Guarda sintassi e dizione

Ultimo ma non meno importante: sintassi e dizione. Qui è dove le cose si fanno un po' tecniche. Ma non preoccuparti, cercherò di mantenerlo interessante.

Un modo per aumentare la tensione in una scena è prestare attenzione alla sintassi e alla dizione. Intendo cose come la struttura della frase, le interruzioni di paragrafo e la scelta delle parole.

Ad esempio, frasi brevi possono essere utilizzate per creare un ritmo staccato e urgente che aumenta la tensione. Frasi più lunghe e complesse, d'altra parte, possono rallentare le cose, dando al lettore la possibilità di riprendere fiato.

Anche le interruzioni di paragrafo possono essere utilizzate con grande efficacia. I paragrafi brevi e incisivi possono aiutare a creare slancio, mentre i paragrafi più lunghi possono essere utilizzati per rallentare le cose, dando al lettore il tempo di elaborare ciò che sta accadendo.

E, naturalmente, la dizione o la scelta delle parole è la chiave. La parola giusta può fare la differenza nel creare tensione. Ad esempio, l'uso di una parola con connotazioni negative può dare al lettore un senso di disagio o presentimento. Usare una parola con connotazioni positive in un momento di tensione può creare un senso di dissonanza cognitiva, aumentando così la tensione.

Quindi, mentre lavori sulla tua scena, presta attenzione alla sintassi e alla dizione. Sperimenta con la lunghezza delle frasi e le interruzioni di paragrafo. Gioca con la scelta delle parole. Potresti restare sorpreso di quanta differenza può fare.

Tensione di scrittura: sii selettivo

Ecco qua, gente. Otto modi per aumentare la tensione in una scena. Ora, non sto dicendo che dovresti usarli tutti e otto in una scena, questo potrebbe causare un attacco di cuore ai tuoi lettori. Ma mescola e abbina. Provane alcuni e vedi cosa funziona meglio per la tua storia.

Ancora una volta, non tutti i suggerimenti funzioneranno per ogni scena. Si tratta di trovare il giusto equilibrio tra la tua storia e i tuoi personaggi. Dai sempre un'occhiata alla tua scena e chiediti quale suggerimento funzionerà meglio per quella scena. Ma, soprattutto, come sempre, divertiti.